Pierre Branda es historiador y director de patrimonio de la Fundación Napoléon. Es autor de Napoléon à Sainte-Hélène (Perrin, 2021).
El primer tráiler de la película sembró dudas. ¿No fue llamado tirano a Napoleón? En pleno verano, Ridley Scott no nos tranquilizó comparando al emperador con Stalin o Hitler. ¿Regresaría el “ogro cornudo” devorador de hombres, un rasgo famoso de la leyenda negra napoleónica, disfrazado de Joachim Phoenix? Esto podría temerse tanto más cuanto que a Hollywood le encanta presentar villanos incomparables, como el Emperador Cómodo, interpretado por Joachim Phoenix y ya dirigido por Ridley Scott en Gladiator.
Digámoslo de inmediato: afortunadamente la película no es maniquea. En realidad, nadie sale ileso de esta película biográfica. No más los revolucionarios, sanguinarios o corruptos, que los monarcas enemigos de Napoleón, patéticos o inconscientes. Napoleón parece más complejo pero sobre todo librando la guerra por la paz y no por la guerra. Si bien es despiadado con sus enemigos, Napoleón no es representado como cruel, sino más bien cerca de sus soldados, distribuyéndoles él mismo pan (lo cual es un poco exagerado) o desafiando la muerte a su lado, lo que es más exacto. Todo lo contrario de un zar Alejandro que toma la guerra como un juego o un Wellington que se muestra muy alejado de sus soldados.
En sus batallas, Ridley Scott utiliza la artillería como arma decisiva. Gracias al cañón, Napoleón triunfó en Toulon o Austerlitz antes de sucumbir en Waterloo porque la lluvia le impidió utilizar esta arma a tiempo. Este hilo conductor es ciertamente simplista pero se ve muy bien en la pantalla. E incluso podemos decir que Scott ilustra con talento el primer eslogan del ganador de Arcole: «Bonaparte vuela como un rayo y cae como un rayo». Como si a él mismo le hubiera impresionado la fórmula.
En torno al emperador, había pocos papeles secundarios que le correspondieran en su época, Napoleón estaba muy por encima de sus contemporáneos, por muy talentosos que fueran, como Talleyrand o Fouché. Era como si hubiera venido de otra época, igual a César o Alejandro, dijo Stendhal. Una visión que también comparte Ridley Scott cuando nos muestra la campaña egipcia.
¿Pero Josefina? Sin duda más bello que en realidad, su retrato es el de una intrigante pero habitado por su historia de amor con Napoleón. Ella le pertenece así como también le pertenece a él. Esta relación exclusiva y apasionada está en el corazón de la película. Parece fusionarse con lo que Napoleón sentía por Francia. Como si Joséphine y Francia fueran inseparables. Al hacerla suya, Napoleón se apoderó de Francia al mismo tiempo. Cuando se separa de ella, también pierde su Imperio. Aquí reaparece el famoso mito de Josefina, “la estrella de la suerte de Napoleón”. Su matrimonio, como sabemos, se rompió sobre la roca de la infertilidad, lo que los obligó a divorciarse en diciembre de 1809 después de casi quince años de matrimonio. Su separación de Joséphine no fue la única explicación de su caída, ni mucho menos, pero sí es cierto que marcó una ruptura en el meteórico ascenso de Napoleón.
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Además de este destino compartido, Josefina era el verdadero amor del Emperador, tal vez incluso el único amor verdadero para este hombre reservado y suspicaz que amaba el aislamiento. Con ella era diferente hasta el punto de aceptar lo que no habría aceptado de nadie más, incluida su propia familia. Al darle verdadera importancia en su película, Ridley Scott no miente. Él arregla, exagera, pero al final da en el blanco. La película tiene muchos errores históricos que pueden sorprender a un público informado, pero Ridley Scott no recibió un encargo de France Télévision como lo hizo Christian Clavier en el pasado para su serie Napoléon, que fue muy criticada en su estreno. pero está dirigido principalmente a espectadores estadounidenses o asiáticos a quienes no les importa la exactitud de los hechos. Puede que nos arrepintamos pero así es. Entre los múltiples errores, Scott incluyó en la ceremonia de coronación de Barras, el rey depuesto del Directorio a pesar de que llevaba varios años proscrito. ¿Pero no fue el primero en distorsionar la realidad el propio Napoleón, en particular cuando pidió al pintor David que incluyera a su madre Letizia, ausente de París, en el centro de su famoso cuadro La Ritualidad?
Para Ridley Scott, Barras es como la encarnación de una Revolución que fracasó y que asiste impotente al triunfo de la que ella mismo dio origen. Otra figura sirve de símbolo, la de Wellington interpretada por el genial Rupert Everett. En él percibimos una Inglaterra oligárquica y desdeñosa que finalmente prevalecerá en Waterloo. Después de la batalla y antes de que el emperador fuera desterrado a Santa Elena, Scott inventa una escena a bordo de un barco entre los dos hombres que, a pesar de su falta de autenticidad, no resulta menos interesante. Primero vemos a Napoleón rodeado de jóvenes guardiamarinas de la marina inglesa claramente cautivados por su discurso antes de la llegada de Wellington. Sorprendido por su presencia cerca de Napoleón, el duque se escuchó decir al oficial que lo acompañaba: “¡Pero ellos lo adoran!” Por tanto, entendemos que la juventud y por tanto el futuro estarán del lado del emperador derrotado.
Esta es de hecho su verdadera victoria. Porque, ¿qué personaje histórico francés aparte de él podría reclamar una película con un presupuesto de 120 millones de dólares, dirigida por uno de los nombres más importantes del cine americano e interpretada por actores premiados o emergentes? A su manera, ciertamente criticable pero más napoleónica de lo esperado, la película de Ridley Scott es una nueva ilustración de esta famosa frase de Chateaubriand sobre Napoleón: «Vivo, extrañaba el mundo, muerto, lo posee».
