Ofelia pasó de ser un personaje secundario en la tragedia Hamlet de Shakespeare a convertirse en un mito. Especialista en pintura francesa del siglo XIX, sucesivamente conservadora en el Museo de Orsay, luego en el Museo Fabre de Montpellier y actualmente en el Palacio de Versalles (actualmente se celebra allí la exposición magistral sobre el pintor orientalista Horacio Vernet que ella firmó) , Valérie Bajou rastrea esta rica herencia incluso en nuestros últimos videojuegos, clips y dibujos animados. Porque es precisamente el siglo XIX el que, a partir de Delacroix, glorifica principalmente a Ofelia, el arquetipo de la joven dividida hasta la locura y el suicidio entre su padre y su amado. Pero, para darle la vuelta a las cosas, en Inglaterra, los prerrafaelitas recuperaron rápidamente a su bella dama; los prerrafaelitas en particular. Si exceptuamos el papel desempeñado tanto por Sarah Bernhardt como, más cerca de nosotros, por Marianne Faithfull, la Ofelia de Millais sigue siendo hoy la representación más famosa (el cuadro donde la joven flota sobre la superficie del agua entre el sueño y la muerte está en la Tate Gran Bretaña). Todos pueden proyectar allí sus fantasías, como Khnopff, Jean Delville o Munch, que también exploraron la tragedia femenina. Y Valérie Bajou demuestra que estudiar a Ophélie significa, ante todo, comprender la historia social y política de la condición femenina.
Ophélie, Valérie Bajou, Cohen
En 1926, el galerista y editor Ambroise Vollard –quien, entre otros, reveló a Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Matisse y Picasso– encargó ilustraciones a Marc Chagall para una nueva edición de las Fábulas de Jean de la Fontaine. Este visionario percibió inmediatamente una comunidad de espíritu entre el moralista francés del siglo XVII y el pintor del siglo XX, originario de Bielorrusia, a quien previamente se había ofrecido a compartir su visión de Las almas muertas de Gogol. Resultado de este desafío de hacer interpretar los escritos de un Champenois, un genio tan específicamente louiscuatorziano, por un extranjero (Chagall, nacido en 1888, no llegó a París procedente del Imperio ruso hasta 1911): los sesenta gouaches, acompañados por primera vez tiempo por sus transposiciones en grabados realizados entre 1928 y 1930, armoniza perfectamente con los poemas. A través de los siglos y culturas de origen, la misma sinceridad, las mismas verdades declaradas, los mismos medios oníricos de retórica, como el uso de animales, para señalar los fallos humanos sin ofender. La amable naturaleza de La Fontaine se combina con los paisajes nevados de Vitebsk. El sentido común heredado del de Esopo y el Roman de Renard se corresponde con el imbuido de las tradiciones jasídicas de Europa del Este. Sin embargo, esta cumbre del arte del libro de arte moderno fue recibida tras su publicación por una avalancha de críticos chauvinistas y antisemitas.
Las fábulas de La Fontaine ilustradas por Chagall, Hazan, 240 p., 60 euros.
Hoy recordamos por primera vez al colorista de este impresionista tardío, de este obsesivo Nabi Japonista. Y sus numerosos jardines mediterráneos y sus interiores vibrantes con toques escamosos han convertido fácilmente a Pierre Bonnard (1867 – 1947) en uno de esos pintores llamados de la “felicidad” entre el gran público. Es demasiado breve, y especialmente falso cuando nos acercamos a sus cuerpos femeninos, representaciones del de Marthe, la esposa deprimida, casi cadavérica en el agua fría de una bañera, o sus autorretratos desollados y alucinados. En el vapor que satura el baño familiar como en el calor sofocante del parque de Le Cannet, surge una preocupación. El encanto de estas atmósferas amnióticas no puede resistir la ansiedad existencial subyacente. Una mirada atenta, que nunca separa al hombre de la obra, Stéphane Guégan, historiador y crítico de arte, especialista de los siglos XIX y XX, asesor científico de la presidencia del Museo de Orsay, números inválidos de a priori y amalgamas en esta referencia monografía, ilustrada con cerca de 170 reproducciones. ¿Moderno o clásico? ¿Heredero simbolista, figurativo tardío o, por el contrario, padre del expresionismo abstracto tal como lo revivió Jean Clair en 1984? En realidad, Bonnard no se preocupaba por las cajas. En un escrupuloso paso a paso, aportando aquí y allá en la cronología nuevas informaciones, Guégan capta más bien su modelo “en la encrucijada de sus diversas tentaciones y del contexto que las hizo posibles”. Lea esto antes de ver en el cine la película de Martin Provost, Bonnard, Pierre et Marthe (estrenada el 10 de enero).
Bonnard, Stéphane Guégan, Hazan, 280 p., 110 euros.
Bajo la dirección de dos eruditos chinos: Xinmiao Zheng, director del Museo de la Ciudad Prohibida, y Hongxing Zhang, curador del Museo Victoria.
Pinturas chinas, Ciudadelas
Ver las artes visuales de los siglos XX y XXI sólo como una exploración de la abstracción sería ver un solo ojo. Todavía abundan las formas identificables, sobre todo el rostro, ¿o incluso más que nunca? – en creaciones recientes. Todo sucede como si los rasgos o la silueta del hombre contemporáneo resistieran el despropósito materialista, el caos moderno. Ciertamente, en general están distorsionados, fragmentados, rayados, feos, esquematizados, burlados o carentes de calidad como en el arte pop. Desde el cubismo, el tradicional retrato en espejo ha quedado destrozado. Pero al mismo tiempo el género se mantuvo parcialmente, como escondido en otros. Un Giacometti, un Jawlensky, un Dubuffet o actualmente un Baselitz han propuesto otras facetas. Hasta el punto de que los modos o variaciones de la representación humana más o menos ilusionista parecen decididamente infinitos para siempre. Incluso los espectros de los campos de concentración, casi disueltos en el horror bélico e industrial de un Music o un Boltanski, manifiestan vida, aunque sólo sea de forma implícita. Y es esta chispa, a veces tan tenue como refractaria, la que Itzhak Goldberg, especialista en arte moderno y contemporáneo, se ha esforzado en identificar en su último trabajo. “Al intentar hacer un retrato, mi ideal sería tomar un puñado de pintura y arrojarlo sobre el lienzo, con la esperanza de que el retrato estuviera allí”, soñó Francis Bacon. Esta fantasía está aquí, por fin.
Frente a la cara, siglos XX – XXI por Itzhak Goldberg, Ciudadelas
Objetos inanimados, ¿tienen un alma unida a nuestra alma y la fuerza para amar?, preguntó Lamartine. Por supuesto, los “vigilantes” responden. À savoir le spécialiste de l’image contemporaine Sam Stourdzé et le curieux Jean de Loisy, conservateur et historien d’art tour à tour passé par à la Fondation Cartier, le Centre Pompidou, le Palais de Tokyo et qui a dirigé les Beaux-Arts de París. Ambos toman como ejemplo las piedras. Son las realidades más impenetrables y sus formas son tan variadas que han atraído y atraen a muchos artistas. Sin mencionar a Caillois, que tal vez les dio sus mejores comentarios, la obra muestra y descifra como ejemplos algunas de las obras más “telúricas” de Rodin, Breton, Picasso, Brassaï, Léger, Dubuffet, Brancusi, Perriand, Léger o incluso Le Facteur Cheval. , por no hablar de la de varios artistas visuales contemporáneos. La existencia del trozo de grava más pequeño es mucho más larga que la nuestra, de ahí la fascinación que genera, tan espontánea como universal. Prueba de ello son las colecciones lapidarias o de mineralogía, las tallas y esculturas desde la prehistoria hasta nuestros días. Y de nuevo las “piedras del paisaje” muy apreciadas por los estudiosos chinos, la pasión por los meteoritos, las divinizaciones en las antiguas estatuas indias, etruscas y galas, el simple interés por sus formas y sus materiales, empezando por los cristales donde se divierten el ojo y la mente. encontrar coincidencias (¡ah, el agua de un diamante!). El objeto se tamiza sistemáticamente hasta obtener pepitas. Como este capítulo que nuestros dos buscadores de oro dedican a las “piedras rebeldes”, esos guijarros capaces a veces de romper la ventana de las convenciones o perturbar el estanque de las apariencias. Hasta el 14 de enero se presenta una exposición sobre este tema en la Villa Medici de Roma, institución actualmente dirigida por Stourdzé.
Historias de piedras, Jean de Loisy y Sam Stourdzé, Delpire
Lanzamiento en Francia y Japón de uno de los cuatro “libros extraordinarios” de la literatura china, una saga fantástica en cien capítulos. Estas aproximadamente cuatro mil páginas se reproducen en su versión japonesa resumida con sus 250 ilustraciones xilográficas de la edición japonesa de 1806-1837. Se trata de un trabajo de más de diez años, realizado por la editorial de cómics 2024 en colaboración con investigadores bajo la dirección de Christophe Marquet, director de investigación de la Escuela Francesa de Estudios Avanzados. Además de la traducción y los comentarios, fue necesario restaurar los grabados en madera en el origen de una tradición popular que se encuentra incluso en el universo de Dragon Ball. El viaje a Occidente cuenta la historia de las aventuras – a veces tribulaciones picarescas, a veces batallas épicas – de un monje peregrino, que fue a buscar, en compañía de un mono bastante megalómano, los escritos sagrados de Buda en su paraíso occidental. Síntesis del inmenso movimiento oral original, se registró una primera versión en chino en 1592. Pero el bestiario cómico desplegado por los grabadores japoneses del período Edo, Ohara Toya, Utagawa Toyohiro y Katsushika Taito, uno de los discípulos de Hokusai, es aún más extravagante.
El viaje a Occidente, Ediciones 2024, 836 p., 69 €.
Esta selección de obras maestras del arte animal comienza como debería, con el primer retrato real de un animal en la historia del arte. Esta efigie de una pareja de perros de caza, signos de la nobleza manierista visibles en el Louvre en la misma sala y a un paso de la Mona Lisa, fue pintada por el veneciano Jacopo Bassano en 1548. Seguida de un Arco muy poblado y colorido: el de Zurbarán. Agnus Deï, las fieras de Rubens, el bichón de la duquesa de Alba de Goya, el caballo encabritado con ojos de pánico de Napoleón cruzando los Alpes de David, el gato negro de Steinlen, los toros y las palomas de Picasso… Incluso las arañas de Louise Bourgeois. “El arte animal está mal visto por los estetas y las élites intelectuales. Se le critica por ser sentimental, burgués, anecdótico, ornamental, decorativo. Además, lo consideramos anticuado, sería un género perteneciente al pasado”, escribe el autor en el preámbulo. Antes de emprender una adecuada defensa e ilustración. Porque ciertamente no omite los uros de Lascaux, los poderosos leones asirios, los elegantes gatos de bronce egipcios, los caballos de Saint-Marc o incluso el brillante Conejo de Durero. Incluye bestiarios asiáticos, oceánicos, africanos o americanos.
Bellos animales, Thierry Groensteen, Scala, 190 p., 35 euros.
Primer plano del genio más dañado. Pascal Bonnafoux, novelista y ensayista, siempre destaca en el ejercicio del comentario artístico. Esta vez ofrece su meditación sobre los autorretratos de Van Gogh. Un tête-à-tête sensible y erudito, fascinante porque en este diálogo intervienen otras voces, como por supuesto la de este otro holandés tan introvertido como expansivo: Rembrandt. “Quiero hacer una figura, una figura
Van Gogh, retrato
Tormentas, erupciones, colapsos. Y también las sequías, las hambrunas, las epidemias… Por su enormidad, su fuerza y su carácter repentino, las calamidades naturales siempre han fascinado a los hombres. Y más aún los artistas que, sobre todo desde el romanticismo, cuando la noción de lo sublime se hizo cardinal, se esforzaron en plasmarlos sobre lienzo, en mármol o en bronce. Clasificadas por cataclismos, todas sus obras remiten más o menos al Apocalipsis bíblico. Y como la palabra apocalipsis significa literalmente revelación, podemos sostener que la selección establecida por el novelista, ex profesor de historia en el instituto parisino Lous-le-Grand, es una. Del Diluvio imaginado por Gustave Doré al resplandeciente Gran día en su ira del pintor inglés John Martin, Cristo en la tormenta en el mar de Galilea, la única marina y óleo de Rembrandt desaparecido desde su robo en 1990 en el Isabella Stewart Gardner Museo de Boston (una recompensa de 10 millones de dólares para quien pueda encontrarlo) hasta la Inundación de Port-Marly de Sisley: es difícil no tener en cuenta esta predicción de Baudelaire: «El mundo se va a acabar».
La Tierra enojada, Bernard Chambaz, Seuil, 261 p., 39 euros.
