Tomando prestado su título del cuento filosófico de Voltaire, este viaje a través de la Colección Pinault enumera artistas, generaciones, países, culturas, cuestiones, comisariada por Jean-Marie Gallais y en una escenografía de Cécile Degos. Dulzura o ironía, angustia o júbilo… Algunos casos de libro de texto.
● Sigmar Polke, el acróbata de la posguerra
Sigmar Polke, nacido en 1941 en Oels, Baja Silesia, hoy Olesnica, Polonia, creció después de la guerra en Alemania Oriental, en Turingia, país del que huyó con su familia en 1953. Su primera exposición personal tuvo lugar en Berlín Occidental en 1966. , en la galería René-Block y luego en Michael Werner en 1970.
Sigmar Polke, artista incontrolable, murió en 2010, a la edad de 69 años, en Colonia, en esta Renania que venera su obra entre anarquía y poesía, referencias a la historia del arte y una abstracción sensual, casi figurativa. Sigmar Polke es un tornado que recorre el cuadro, sorprendiendo la mirada del visitante con su loca libertad que mezcla códigos sobre soportes inesperados, su delicadeza para domar la luz, su suavidad como colorista, su humor casi colegial como “gagman”.
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Al igual que su compatriota Gerhard Richter, siguió, desde muy joven, de 1961 a 1967, las enseñanzas iconoclastas de Joseph Beuys. “En sus obras, el tema de la alquimia está estrechamente vinculado a la dimensión política, en las continuas referencias a la contemporaneidad así como a la historia antigua: el universo creativo de Sigmar Polke es un flujo interrumpido entre figuración y abstracción, entre referencias a la historia del arte y referencias al presente en la construcción de un imaginario muy personal, rico y multifacético», subrayaron Elena Geuna y Guy Tosatto, comisarios de su retrospectiva en el Palazzo Grassi, en 2016.
“Las pinturas del prolífico Sigmar Polke se presentan a la vista en capas, testimoniando la libertad absoluta del pintor en sus temas, sus soportes y sus tratamientos”, admira Jean-Marie Gallais, comisario de la Bolsa de Comercio, saludando este “Artista acróbata. “La parte inferior del cuadro Zirkusfiguren” (“Figuras de circo”, 2005) revela que fue pintado sobre una tela estampada con patrones brillantes”, dice. Ve el circo, tema querido por el arte moderno, pero también Goya, el grabado y las artes populares.
● Marlene Dumas, la guerrera del Cabo
Pintora formidable, en ambos sentidos del término, Marlene Dumas, nacida en 1953 en Ciudad del Cabo (Sudáfrica), sigue fascinando desde su estruendosa llegada al coleccionista londinense Charles Saatchi, entonces en el mercado del arte: su brujo primer plano. de una cara roja, Jule-die Vrou (1985), la convirtió en 2004 en una de las tres pioneras en superar la marca del millón de dólares. Para esta mente aguda que vivió el apartheid y estudió psicología en Amsterdam a finales de los años 1970, el cuerpo no es una abstracción, el deseo es salvaje, la muerte nos mira a la cara.
Su pintura se impone en ti, incrustándose en tu subconsciente, engatusado por la belleza de su paleta. Inmediatamente sacudió al público del Palazzo Grassi con “Open-end”, su magnífica retrospectiva, entre el deleite y un combate de boxeo, compuesta con Caroline Bourgeois en Venecia, en 2022-2023. “La pintura es la huella del contacto humano. Esta es la piel de una superficie. Un cuadro no es una postal”, afirma. Losing (Her Meaning), 1988, es «una obra que Marlene Dumas considera crucial, en un momento en el que cuestiona la necesidad y la posibilidad de pintar el cuerpo femenino desnudo», recuerda Jean-Marie Gallais ante este importante momento de “The mundo a medida que avanza”.
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En 2013, el cuadro La monomane del mando militar no pudo exponerse en una retrospectiva de “Géricault” en Alemania; Luego, el museo encargó a Marlene Dumas que creara una interpretación libre de la pintura. Aquí, en la Bolsa de Comercio, está su Militaristic Monomaniac, 2013, en un verde pálido y amenazador.
● Jeff Koons, el gurú de un nuevo arte popular
Fue el rey en la entrada del Palacio Grassi durante su inauguración en 2006. La enorme escultura descansaba sobre un podio flotando sobre el Gran Canal. Luego, ocupó un lugar destacado en el atrio del palacio veneciano.
“Balloon Dog (Magenta), a menudo considerada una de las obras más emblemáticas de la serie Celebration de Jeff Koons, representa un globo torcido para tomar la forma de un perro. Fundida en acero inoxidable pulido a espejo y pintada en un color transparente, la obra evoca inmediatamente las fiestas de cumpleaños infantiles y la alegría de la primera infancia. Al modificar el material y las dimensiones del habitual globo inflable, Koons juega con las nociones de permanencia y efímera”, explica Elena Geuna, curadora junto con Laurent Le Bon de “Jeff Koons Versailles”, quien lo colocó en el centro del Salón de Hércules en 2008.
Mientras que “Jeff Koons: Moon Phases” llevó 125 obras en miniatura de Jeff Koons a bordo del cohete Falcon 9 de SpaceX para su instalación permanente cerca del polo sur de la superficie lunar, este Balloon Dog (Magenta) que causó escándalo en Versalles parece un juego de niños. También se encuentra en la Bolsa de Comercio su Luna (azul claro), 1995-2000. “Jeff Koons, adoptando la postura muy seria de una especie de gurú de un nuevo arte popular, quiere promover la figura del artista como potencial reencantador del mundo, ofreciéndole formas tranquilizadoras, infantiles, brillantes, kitsch, ”, analiza Jean-Marie Gallais, que ve surgir la gravedad bajo el efecto espejo.
● Cindy Sherman, Todos los rostros de América
¡Cuidado, metamorfosis! Los de Cindy Sherman se multiplican como tantas caras críticas de los Estados Unidos bienpensantes y de nuestro planeta contemporáneo dividido entre la fascinación por el lujo y la atracción-repulsión por el gore. Esta bella mujer que en la ciudad puede alcanzar las cimas del chic neoyorquino se inscribe en la arriesgada tradición de las actuaciones artísticas de los años 70 y no duda en lucir irreconocible.
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Como una mujer fea con demasiado maquillaje, como una vieja coleccionista aferrada a su lavado de cara, como una mujer negra en una sociedad demasiado blanca, como un hombre poco varonil en una época en la que los géneros se están volviendo borrosos y permeables. Cada vez, detrás de la ilusión de la imagen, una reflexión sobre su época y sus códigos. “Una mujer de mediana edad, vestida con un elegante vestido rosa y blanco, está sentada en un paisaje mediterráneo. La imagen me resulta familiar (Cindy Sherman, Sin título
“Expresión pública, representación casi teatral… Se inspira en los códigos y cánones del cine, los cuentos de hadas, las películas de terror y la pornografía. Explora críticamente la imagen cambiante de las construcciones de feminidad y las normas sociales impuestas a las mujeres. Cindy Sherman, una estrella del ácido, un monumento fotográfico, ¡pero un monumento en riesgo!
● Kimsooja, viviendo en el reflejo del espejo.
“Me gustaría crear obras que sean como el agua y el aire, que no se puedan poseer pero que se puedan compartir con todos”, dice Kimsooja, nacida en 1957 en Corea del Sur. Su obra, desde finales de los años 1980, se ha afirmado en la escena artística internacional como una experiencia esencial, sensible, inmaterial y universal.
“Durante la primera actuación que la hizo famosa, en 1997, cruzó Corea del Sur durante once días, subida a un camión lleno de coloridas bottaris, estos paquetes de telas brillantes que acompañan y marcan la vida de los coreanos desde el nacimiento hasta la muerte. a través del matrimonio. Artista marginal, nómada, “anarquista cosmopolita”, en sus palabras, utiliza su propio cuerpo metafóricamente, como una presencia anónima, casi invisible, que, a través de su inmovilidad y verticalidad, se inscribe como una aguja en el tejido del mundo, y «Cose con humildad los defectos y los enganches», explica Emma Lavigne, directora general de la Colección Pinault y curadora de esta «Carta blanca a Kimsojaa», desde la rotonda de espejos hasta las 24 ventanas subliminales que la rodean.
Lo mostró magníficamente en el Centro Pompidou-Metz (“Para respirar”, invierno 2015-2016), en todo Poitiers (“Traversées”, invierno 2019-2020), y lo acompañó a la catedral de Metz (vidrieras públicas de encargo inauguradas en Septiembre de 2022). “El espejo con el que cubre el suelo de la rotonda de la Bolsa de Comercio desempeña un papel similar al de la aguja o al de su propio cuerpo”, afirma esta historiadora del arte apasionada por la música y la danza (“Danser sa life”, con Christine Macel, en Beaubourg, en 2011).
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“El espejo reemplaza al cuerpo, observa y refleja al otro”, explica el artista. Con el uso de espejos, nuestra mirada actúa como un hilo de coser que se mueve hacia adelante y hacia atrás, adentrándose en lo más profundo de nosotros mismos y del otro, reconectándonos con su realidad y con su universo interior. Un espejo es un tejido cosido por nuestra mirada, en un movimiento de reflujo y flujo”, confió Kimsooja durante su exposición en el Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Saint-Étienne, en 2012. En la Bolsa de Comercio, coloca en el Corazón de un espejismo, anclado entre la tierra y el cielo. A veces un pájaro pasa por encima del alto techo de cristal y finaliza su vuelo, muy lejos, bajo nuestros pies.
● Maurizio Cattelan, el ridículo como arma de guerra
Animado, esquivo, burlón, encantador, Maurizio Cattelan es este artista mordaz que transforma cuestiones existenciales y dramas actuales en obras donde el humor y la burla sirven como vectores. Es un hombre secreto (Le Saut dans le vide, 2011, libro raro de entrevistas con Catherine Grenier). Nacido en Padua en 1960, este deportista esbelto (aficionado al ciclismo), que rechaza la idea de la repetición y la vida cotidiana, se encuentra entre Tati y Daumier.
Ambas caricaturas pueden ser enigmáticas (Turisti, 2011, su cohorte de palomas disecadas que causó sensación en la Bienal de Venecia de 1997 y 2011 y que cuelga aquí en el balcón superior, como una amenaza) o cruelmente reveladoras (Him, 2001, el rostro aterradora imagen de Hitler escondida detrás de su silueta de un niño arrodillado de espaldas a la esquina de una pared, en oración). “Frente a los excesos, las perturbaciones y las paradojas de los tiempos desorientados en los que vivimos, pero también a las incesantes turbulencias y explosiones de la actualidad, las obras son premonitorias y los artistas, agitadores de conciencia, poetas y filósofos”, analiza Emma Lavigne.
“Las obras presentadas, a veces provocativas, oscuras y teñidas de melancolía, cínicas o irónicas, convocan a veces a los espectros de la historia, como los de Maurizio Cattelan, Luc Tuymans, Goshka Macuga o Elaine Sturtevant, para cuestionar el mundo de hoy”. Invitado en 1998 a diseñar un proyecto para el MoMA (Museo de Arte Moderno) de Nueva York, Maurizio Cattelan imaginó un muñeco con hidrocefalia a imagen del artista más famoso del museo, Pablo Picasso. Esta figura carnavalesca, originalmente movida por un actor enmascarado bajo una blusa de marinero a rayas, fue presentada en la exposición “Picassomania”, en 2015, en el Grand Palais. Aquí se abre el oscuro universo del mundo del que Voltaire se burla, “Le Monde comme il va”.
● Anne Imhof, la noche a plena luz del día
Con “Still Life”, el fenómeno Anne Imhof sacudió París en octubre de 2021, una capital sabia repentinamente en trance. León de Oro 2017 en la Bienal de Venecia por su obra “Fausto”, opresiva y magnética, la artista visual alemana compuso en directo nueve noches en el Palacio de Tokio espectáculos hipnóticos que el público siguió como una multitud dócil. Intrépido coleccionista, François Pinault había visitado con Emma Lavigne, entonces presidenta del Palacio de Tokio, este loco laberinto en la arquitectura casi deshuesada del Palacio de Tokio, entre ventanas etiquetadas y columnas revestidas de vinilo negro (almohadillas, esculturas-accesorios) como un ring de boxeo gigante. O un burdel de Berlín, decían los viajeros.
En el corazón de esta obra de arte total (y negra), la artista Eliza Douglas, musa de Balenciaga, donde encarna «la tensión entre la calle y la alta costura», una belleza andrógina cuyo género sigue siendo un misterio hasta que se pone en topless. “El horizonte fue el punto de referencia estable del ilusionismo desde el Renacimiento y la invención de la perspectiva albertiana: ofrecía un punto de fuga. Esta fuga ya no es posible. Otros motivos hacen desaparecer el horizonte: escenas de explosiones, como las representadas por Luc Tuymans y Anne Imhof, espectáculos cataclísmicos que llevan la mirada al borde de la abstracción, en una noche a plena luz del día”, explica el comisario. , esta visión general”.
● Mohammed Sami, las otras “Las mil y una noches”
A primera vista, el inmenso cuadro y su océano de azules, verdes, turquesas, sus estrellas centelleantes en amarillo difuso, resultan encantadores. “El cuadro Las mil y una noches (Las mil y una noches, 2022) de Mohammed Sami pierde la mirada en la monumentalidad de su formato y sus efectos texturales. Su título evoca la magia de las leyendas orientales de la edad de oro islámica, advierte Jean-Marie Gallais. Sin embargo, el inusual tratamiento cromático evoca otra realidad, que podría ser la visión nocturna de defensa antimisiles”.
Nacido en 1984 en Bagdad, Mohammed Sami emigró a Suecia en 2007, antes de establecerse en Londres, donde estudió arte. Sus pinturas a menudo toman como punto de partida recuerdos en escenarios imaginarios. La pintura de historia tiene dos caras.
● Pol Taburet, los espectros del rap y el Caribe
Benjamin de la exposición, Pol Taburet, artista guadalupeño nacido en 1997, sorprende por su confianza a la hora de trasponer la realidad a su mundo espectral. Al igual que el artista martiniqués Julien Creuzet, que llevará la voz del Caribe en el pabellón francés de esta 60ª Bienal de Venecia, importa al lienzo clips y dibujos animados de hip-hop, vudú caribeño y mitología grecorromana. Sus grandes formatos, suaves como esmaltes, tienen un poder surrealista.
“Le Monde comme il va”, hasta el 2 de septiembre en la Bolsa de Comercio (París 1). Catálogo (Colección Dilecta / Pinault), 45 €.
